Artistieke fotografie: Het motief achter het Beeld

Sinds de fotografie halverwege de 19e eeuw werd uitgevonden, hebben zich talloze subgenres ontwikkeld, zoals natuurfotografie, wetenschappelijke fotografie, zwart-witfotografie, portretfotografie of reclamefotografie. Deze genres legden verschillende accenten, maar hadden uiteindelijk allemaal als kerndoel het afbeelden van echte objecten.

Artistieke fotografie, die zich aan het begin van de 20e eeuw ontwikkelde, volgt een andere benadering. Het laat het reproductieve aspect van fotografie achterwege en breidt het spectrum van wat een foto kan doen aanzienlijk uit. In de kunstfotografie wordt de foto een onderdeel van een artistiek concept en is hij bedoeld om boodschappen over te brengen die veel verder gaan dan de inhoud van het beeld. De fotokunstenaars verbinden een bekommernis aan de foto en willen waarden en ideeën overbrengen of de realiteit in vraag stellen. Zo wordt het motief achter de foto belangrijker dan de foto zelf. De foto wordt getransformeerd tot een symbool en begint zo "werkelijkheid te creëren".

Het hoogste niveau van afstand tot de werkelijkheid wordt bereikt door experimentele fotografie, die alle conventionele tradities loslaat, of het nu gaat om de keuze van het motief of de opnametechniek, en in plaats daarvan fine-art fotografie produceert die in sommige gevallen zeer abstract is. Maar wat betreft de picturale thema's die als basis dienen voor het artistieke werk, is de kunstfotografie helemaal niet zo ver verwijderd van andere vormen van beeldende kunst. Je vindt hier ook landschappen, portretten, naakten of stillevens. Daarnaast is de zelfreflectie van het medium een belangrijk aandachtspunt. Met verschillende middelen bevragen we onze kijkgewoonten, stellen we het beeldkarakter van fotografie fundamenteel ter discussie en verkennen we de grenzen van het medium.

Fotografie als artistiek proces

In de moderne fotografie in het algemeen en de fotografie van beeldende kunst in het bijzonder is het niet voldoende om alleen maar op de sluiter van de camera te drukken. De kwaliteit van de foto of het kunstwerk wordt bepaald door veel verschillende factoren die zowel vooraf als achteraf door de fotokunstenaar kunnen worden beïnvloed. Dit zijn bijvoorbeeld de kwaliteit en eigenschappen van de camera, de algemene omstandigheden en parameters van het fotografische proces en digitale of analoge nabewerking.

• De juiste keuze van de camera: Tegenwoordig zijn er talloze technologieën en apparaten beschikbaar om foto's te maken - van gaatjescamera's tot smartphones tot digitale spiegelreflexcamera's. Aangezien deze aanzienlijk verschillen in kwaliteit, heeft de keuze van de camera zelf een grote invloed op het eindresultaat. Tegenwoordig worden digitale camera's waarschijnlijk het meest gebruikt in de professionele sector, bijvoorbeeld een spiegelreflexcamera of een systeemcamera. Smartphones worden echter ook steeds vaker gebruikt voor (kunst)fotografie dankzij hun camera's met hoge resolutie. Analoge camera's zoals de legendarische Hasselblad middenformaatcamera's hebben nog steeds een grote aanhang onder professionele fotografen. De lichtintensiteit en de hoek van de lenzen zijn van groot belang voor alle cameramodellen. Groothoeklenzen of fish-eye lenzen kunnen bijvoorbeeld het motief aanzienlijk veranderen of vervormen, zelfs terwijl de foto wordt genomen.
• De enscenering van het motief en de parameters van de foto: Artistieke fotografie begint al met de keuze van het motief en de omgeving waarin het zich bevindt. Het maakt een groot verschil of een object wordt gefotografeerd in een witte kubus of in een landschap. De natuurlijke of kunstmatige belichting bepaalt ook de sfeer en daarmee de boodschap van de foto. Net zo belangrijk is de beslissing of je een kleurenfoto of een zwart-witfoto maakt. Tot slot kunnen de kadrering, de beeldhoek, de compositie van de foto, de belichting en de scherptediepte een documentaire foto veranderen in een artistieke foto.
• De foto verfijnen door analoge en digitale nabewerking: Voor veel fotokunstenaars begint het echte werk nadat de foto is genomen. Afhankelijk van het medium zijn er verschillende manieren om de foto achteraf te veranderen. Al in het begin van de 20e eeuw begonnen kunstenaars foto's te combineren of te bewerken met andere technieken. Ze integreerden de foto's in collages en knipten, plakten of schilderden eroverheen. Digitale fotografie biedt een bijna eindeloze keuze aan mogelijke bewerkingsvarianten. Met computergestuurde beeldbewerkingsprogramma's kunnen foto's op bijna alle denkbare manieren worden gemanipuleerd. In de vorm van afdrukken in hoge resolutie kunnen deze digitale producten vervolgens weer in analoge vorm worden gepresenteerd.

Er zijn dus veel verschillende factoren die gebruikt kunnen worden om het fotografische proces te beïnvloeden. Maar technologie is slechts een hulpmiddel - het artistieke idee, een boodschap of een concept moet van tevoren door de kunstenaar worden ontwikkeld.

Artistieke fotografie heeft lang geworsteld om haar status te behouden

In de hedendaagse kunstwereld wordt moderne fotografie ontegenzeggelijk erkend als een belangrijke bijdrage aan de beeldende kunst. Musea en galeries over de hele wereld wijden tentoonstellingen aan kunstfotografie, kunstscholen bieden relevante cursussen aan en foto's worden ook steeds vaker te koop aangeboden op veilingen. Artistieke fotografie is ook opgenomen in de collecties van 's werelds grootste musea, bijvoorbeeld in het MoMa, New York, het Whitney Museum of American Art, New York, het Musée d'Orsay, Parijs, het Museum Folkwang, Essen of het Museum für Fotografie, Berlijn.

Fotografie heeft echter lang moeten vechten om zich te vestigen als een gelijkwaardige vorm van artistieke expressie. Toen het halverwege de 19e eeuw werd uitgevonden en verder ontwikkeld, diende het in eerste instantie alleen om de werkelijkheid af te beelden. Maar al aan het begin van de 20e eeuw begonnen de dadaïsten te experimenteren met foto's of het fotografische proces. Fotografie deed echter pas in het midden van de 20e eeuw haar intrede in kunstmusea. Er werd lang gedebatteerd over de artistieke verdiensten van fotografie en of foto's volgens conventionele normen als kunstwerken konden worden beschouwd.

Omdat deze "moderne" vorm van beeldproductie fundamenteel verschilde van schilder- en beeldhouwkunst, waren de conventionele categorieën voor kunst niet langer van toepassing. De discussies gingen (en gaan tot op zekere hoogte nog steeds) voornamelijk over hoeveel vakmanschap en creativiteit er komt kijken bij fine-art fotografie en hoe unieke stukken gedefinieerd kunnen worden.

Fotografie vs Schilderen en Beeldhouwen: Nieuwe normen voor kunst

Tot het einde van de 19e eeuw werd artistieke prestatie gedefinieerd door de omvang van creativiteit en vakmanschap. Kunstenaars beweerden een individuele interpretatie van de werkelijkheid te creëren in schilderijen en beeldhouwwerken.

Voor abstracte fine-art fotografie vanaf de 20e eeuw waren er zelfs helemaal geen sjablonen, maar werden ze volledig vrij geassocieerd en letterlijk uit het niets gecreëerd. Dit intellectuele creatieve proces werd aanvankelijk ontkend aan de fotografie met het argument dat het simpelweg de werkelijkheid één op één reproduceerde. Er waren geen artistieke vaardigheden nodig om een bestaand object op celluloid vast te leggen. Hetzelfde geldt voor vakmanschap.

Schilderen en beeldhouwen vereisen jarenlange oefening en training en vereisen talenten in het hanteren van penseel en beitel en in abstract en ruimtelijk denken. Fotografie produceert echter het werk zelf door middel van mechanica en technologie en is daarom niet vergelijkbaar met "schone" kunst. Vandaag de dag zijn we deze ressentimenten ver voorbij. Naast technische vaardigheden wordt nu ook de creatieve prestatie van fotografische kunstenaars erkend, omdat het onmiskenbaar is dat bijvoorbeeld de keuze van het motief, de compositie van het beeld, de enscenering of de nabewerking veel vaardigheid en kennis vereist.

Lange tijd werd het unieke karakter van een kunstwerk beschouwd als een ander criterium. Fotografie mist van nature het unieke karakter omdat je theoretisch oneindig veel afdrukken van een foto kunt maken. Maar tegenwoordig is de zorg over willekeurige duplicatie volledig ongegrond. Met edities, beperkingen en controle over het aantal afdrukken kan ook in de fotografie een vorm van zeldzaamheid worden gecreëerd.

Fine-Art fotografie op de kunstmarkt

Tal van kunstenaars hebben al wereldwijd naam gemaakt met hun foto's. Bekende kunstenaars van de artistieke fotografie zijn bijvoorbeeld Helmut Newton, Anton Corbijn, Peter Lindbergh, Cindy Sherman, Jeff Wall, Andreas Gursky, Barbara Klemm, Edward Ruscha, Candida Höfer, Bernd en Hilla Becher of Man Ray. Maar hoewel fotografie nu is ingeburgerd als onderdeel van de beeldende kunst, loopt het op de kunstmarkt nog steeds achter op de schilder- en beeldhouwkunst. De meeste fotografen zijn nog mijlenver verwijderd van de bekendheid en vooral de inkomsten of veilingopbrengsten van hun collega's in de schilder- en beeldhouwkunst.

Zoals altijd bewijzen uitzonderingen de regel. In 2011 verkocht veilinghuis Christie's in New York bijvoorbeeld een foto van Andreas Gursky voor het recordbedrag van 4,3 miljoen US dollar. Dit bevestigt in ieder geval de groeiende interesse in fotografie en de relevantie ervan voor de beeldende kunst.