Cubisme - Créer un Tableau avec des formes géométriques

Au début du XXe siècle, le cubisme a ébranlé les fondements des arts visuels. Aucune époque précédente n'avait voulu rompre aussi radicalement avec les conventions dominantes en matière de peinture. Les artistes cubistes ont rejeté l'idée traditionnelle selon laquelle la peinture devait représenter les objets picturaux de la manière la plus réaliste possible et ont développé de nouveaux principes de composition picturale.

La construction et la déconstruction d'objets picturaux à l'aide de formes géométriques, le rejet de la perspective classique et les premiers pas vers l'abstraction sont quelques-unes des innovations révolutionnaires du cubisme. L'époque a commencé vers 1907, mais au début de la Première Guerre mondiale, elle était déjà progressivement dissoute. Malgré sa durée relativement courte par rapport à d'autres styles, elle a suffi à initier des changements fondamentaux dans la peinture.

Braque et Picasso - Un duo d'artistes qui révolutionne la peinture

Le développement du cubisme est indissociable de deux noms : Pablo Picasso et Georges Braque. Au tournant du XXe siècle, tous deux recherchent indépendamment de nouvelles formes d'expression artistique.

Picasso : remise en cause des formes traditionnelles de création

L'artiste espagnol Pablo Picasso a étudié à l'Académie royale des beaux-arts, mais peu après avoir quitté l'académie, il a commencé à remettre en question les formes traditionnelles de création artistique. Il a toujours cherché à développer son art. Les styles établis du début du siècle, tels que l'impressionnisme, le symbolisme ou l'art nouveau, lui ont servi d'inspiration pour développer son propre univers visuel.

Dès le début du XXe siècle, Picasso s'intéresse de plus en plus à l'art d'autres cultures. Il était fasciné par le concept de langage formel réduit des sculptures africaines et des masques tribaux et a incorporé de manière reconnaissable leur esthétique dans ses œuvres. Il s'est également inspiré d'artistes européens tels que El Greco, Henri Rousseau et Paul Gauguin. Il voue cependant une admiration particulière à Paul Cézanne (1839 - 1906). C'est surtout son œuvre tardive et ses réflexions fondamentales sur le mode de représentation qui ont influencé Picasso de manière significative.

Cézanne a déjà dépassé le désir de représenter des objets de manière réaliste. Selon sa théorie, tous les objets picturaux peuvent être représentés à l'aide de sphères, de cylindres et de cônes. Sous cette influence, Picasso abandonne lui aussi progressivement la représentation naturelle des proportions. L'artiste espagnol a commencé à utiliser les premiers éléments stylistiques clairement attribuables au cubisme en 1906 - dans son tableau "Les Demoiselles d'Avignon", qui deviendra une œuvre clé de toute l'époque.

Georges Braque : Mélange de formes géométriques et de perspectives

Presque en même temps que Picasso, l'artiste français Georges Braque a développé une conception très similaire de la composition picturale et de la représentation des objets. Comme Picasso, Braque admirait Paul Cézanne mais aussi les Fauves, en particulier Henri Matisse. Cependant, Braque s'éloigne également des styles existants tels que le fauvisme ou l'impressionnisme et suit sa propre voie. Il travaille de plus en plus avec des formes géométriques et mélange plusieurs perspectives dans un même Tableau.

Enfin, à la fin de l'année 1908, Picasso et Braque sont présentés l'un à l'autre par l'écrivain Guillaume Apollinaire. Ils se lient rapidement d'amitié et entament une collaboration très créative et productive. Leur coopération s'apparente à une mission de recherche qui va bien au-delà de la peinture. Ils s'intéressent au processus de la vision et au traitement des impressions optiques dans le cerveau. Parallèlement, ils continuent à expérimenter les techniques de peinture.

Les débuts : Le cubisme analytique et ses caractéristiques

L'œuvre de Braque et de Picasso a marqué la première grande phase du cubisme et est connue aujourd'hui sous le nom de "cubisme analytique". Bien que les artistes du cubisme peignent de manière figurative, ils ne sont plus attachés au réalisme. Ils analysent les objets et recherchent un mode de représentation qui permette de saisir simultanément le plus grand nombre possible de manifestations d'un objet.

Les caractéristiques les plus marquantes du cubisme à ce stade initial étaient la conception fragmentée et géométrique des objets picturaux, ainsi que l'utilisation non conventionnelle des perspectives. Braque et Picasso se concentrent sur les formes de base et définissent souvent les objets picturaux uniquement par leurs contours. Ils ont progressivement réduit leur palette de couleurs et ont travaillé principalement dans des tons sourds comme le brun, le gris, le beige, le bleu et le noir. La réalisation de l'objectif consistant à présenter simultanément différentes vues d'un objet a soulevé des questions concernant le choix des angles de vue et la direction de l'éclairage.

Les artistes du cubisme se sont écartés de la division traditionnelle du Tableau en avant-plan, plan moyen et arrière-plan, ainsi que de la perspective centrale. Au lieu de cela, ils ont tenté de représenter simultanément le plus grand nombre possible d'éléments, généralement vus sous différents angles. Cette approche novatrice a rapidement fait sensation sur la scène artistique européenne. D'autres artistes de l'époque, tels que Juan Gris ou Robert Delaunay, ont également commencé à s'intéresser à cette nouvelle philosophie de la peinture.

Le développement ultérieur : Le cubisme synthétique

Les artistes du cubisme ne sont cependant pas restés fidèles au style qu'ils avaient trouvé, mais ont continué à le développer. À partir de 1912 environ, le cubisme entre dans sa deuxième grande phase, appelée aujourd'hui "cubisme synthétique".

Au cours de cette phase, les artistes ont diversifié leur approche à plusieurs niveaux. Le changement le plus important a probablement été de réverser leur approche de la composition. Contrairement au cubisme analytique, où les objets étaient disséqués et décomposés en parties, ils étaient désormais construits principalement à partir de formes abstraites. Le Tableau émergeait d'une synthèse de différents objets. Les artistes cubistes ont disposé tous les objets picturaux sur un pied d'égalité à l'intérieur d'un seul plan plat, évitant ainsi toute impression de spatialité.

Ce qui est particulièrement frappant, c'est que les artistes du cubisme n'ont pas seulement développé la composition du Tableau, mais aussi les matériaux avec lesquels ils travaillaient. Ils ont commencé à incorporer des objets quotidiens dans leurs peintures à l'huile. Ils ont par exemple collé du papier et des coupures de journaux, du papier peint, des textiles, du verre, du sable ou du bois sur la toile. Ils ont ainsi jeté les bases de diverses techniques qui ont vu le jour au cours des décennies suivantes, telles que le collage, l'art de l'objet et le ready-made.

Avec l'introduction de nouveaux matériaux, ils ont également élargi leur palette de couleurs. Ils ont utilisé des couleurs plus vives, plus fortes et plus colorées, combinant plusieurs teintes au sein d'un même Tableau. Enfin, le cubisme synthétique a une nouvelle fois remis en question l'image que l'art avait de lui-même. Les artistes cubistes ne considèrent plus la création d'un objet d'art comme un simple moyen de parvenir à une fin. Au contraire, ils considèrent le processus artistique comme une fin en soi. Une œuvre d'art ne devait plus servir à représenter des objets, mais était considérée comme une entité autonome permettant de créer une nouvelle réalité.

La réception du cubisme et son influence sur l'histoire de l'art

Comme de nombreuses formes d'expression artistique progressistes et avant-gardistes, le cubisme a d'abord été confronté à des difficultés dans le domaine de la peinture. Les réactions du grand public allaient de l'incompréhension totale au rejet.

Au début du XXe siècle, d'autres styles, tels que l'impressionnisme et le symbolisme, dominaient le marché de l'art européen et les académies d'art, laissant peu de place aux mouvements progressistes. L'influent critique d'art parisien Louis Vauxcelles, en particulier, critiquait agressivement les artistes du cubisme et ridiculisait leur travail.

Le cubisme en peinture : Réception positive

Les artistes ont trouvé un grand défenseur en la personne du galeriste d'origine allemande Daniel-Henry Kahnweiler. Kahnweiler s'est beaucoup engagé en faveur des jeunes artistes cubistes et a organisé les premières expositions avec eux dès 1908. Les artistes européens s'intéressent également aux œuvres cubistes. Les influences du cubisme se retrouveront plus tard, entre autres, chez Marcel Duchamp, qui atteindra une renommée mondiale avec ses ready-made, ainsi que chez les artistes du Bauhaus Oskar Schlemmer et Lyonel Feininger.

Les expressionnistes allemands tels que Franz Marc, August Macke et Paul Klee se sont également inspirés des formes géométriques. L'impact du cubisme s'est étendu au XXe siècle, influençant des mouvements tels que le futurisme, le surréalisme, l'abstraction, le constructivisme et le pop art.

Le mouvement artistique Le cubisme aujourd'hui

Aujourd'hui, les historiens de l'art reconnaissent universellement la contribution significative des artistes cubistes à l'évolution des arts visuels. Picasso, Braque et tous les autres artistes du cubisme du début du XXe siècle sont des pionniers incontestés de la peinture. Grâce à leur façon novatrice de concevoir l'art, ils ont transcendé les contraintes stylistiques étroites de leur époque, jetant ainsi les bases de l'art abstrait.