Impressionnisme - le monde vu par les peintres

L'époque de l'impressionnisme, dans la seconde moitié du XIXe siècle, marque un tournant majeur dans l'histoire de la peinture. Certains des artistes et des œuvres les plus célèbres de l'histoire de l'art datent de cette période. Parallèlement, la voie est tracée pour la peinture moderniste. Les peintres de l'impressionnisme abandonnent un mode de représentation naturaliste et reflètent dans leurs tableaux leurs perceptions individuelles, notamment de la lumière et de l'atmosphère.

De nombreux styles du XXe siècle ont repris les impulsions des pionniers impressionnistes. Aujourd'hui, certains des tableaux les plus chers de tous les temps peuvent être attribués à cette époque, par exemple "Montagne Sainte-Victoire" de Paul Cézanne, "Verger avec cyprès" de Vincent van Gogh ainsi que "Le Bassin aux Nymphéas" et "Les meules" de Claude Monet.

Les impressionnistes développent une nouvelle philosophie de la peinture

Les peintres impressionnistes ont remis en question les normes établies de la peinture dans une mesure sans précédent. Au milieu du XIXe siècle, la peinture était encore dominée par le classicisme et le romantisme et obéissait à des règles et à des structures claires. Ainsi, on considérait que le plus grand art consistait à représenter les sujets picturaux de la manière la plus naturelle et la plus parfaite possible. Le fait que les scènes peintes correspondent à la réalité n'avait qu'une importance secondaire, de sorte que les tableaux présentaient souvent des motifs exagérés, surchargés de contenu ou même fictifs.

Un petit groupe de peintres parisiens, parmi lesquels Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley et Edgar Degas, ne s'identifie pas à ce style de peinture et proclame un retour à la réalité, non pas dans le sens d'une représentation aussi proche que possible de la réalité, mais plutôt dans le sens d'une peinture qui reflète de manière authentique les perceptions et les sentiments des artistes. Dès lors, les impressionnistes se sont attachés à capturer l'impression fugace et l'atmosphère d'un seul instant et non - comme c'était le cas des siècles auparavant - des tableaux de personnes et d'objets ou des scènes représentatives. Ils attachent surtout une importance particulière à la représentation des conditions de lumière. Ils se sont appuyés sur les œuvres de peintres tels que William Turner, John Constable ou Gustave Courbet, qui, à des époques antérieures, avaient déjà réussi à représenter la lumière et l'atmosphère du moment dans leurs peintures de paysages.

Objets picturaux comme surfaces de projection de la lumière

Les impressionnistes ont développé un sens particulier de la manière dont les couleurs et, par conséquent, l'atmosphère entière d'une scène pouvaient changer en fonction des heures de la journée, des saisons ou des conditions météorologiques. Grâce à cette prise de conscience, ils ont pratiquement élevé au rang d'art le fait de peindre un même motif selon la même perspective, mais à chaque fois dans des conditions environnementales changeantes. Par exemple, Camille Pissarro a créé plusieurs versions de vues du Boulevard Montmartre à Paris, et Claude Monet a répété sa vue de la cathédrale de Rouen dans une série de 30 tableaux.

Cette approche souligne le peu d'importance que les peintres semblent accorder aux objets picturaux en tant que tels et qu'ils les considèrent essentiellement comme des surfaces de projection de la lumière. Claude Monet aurait déclaré que les objets picturaux en tant que tels n'avaient aucune signification pour lui : "Ce que je veux reproduire, c'est ce qui se trouve entre le motif et moi.

Les caractéristiques de l'impressionnisme : La peinture sous un nouveau jour

Les impressionnistes ont compris qu'ils ne pourraient pas atteindre leurs objectifs artistiques avec les moyens stylistiques de la peinture connus jusqu'alors. Ils ont donc modifié les techniques et les modes d'expression, ainsi que l'acte de peindre dans son ensemble, pour les adapter à leurs objectifs.

Au début, les impressionnistes se sont rendu compte que l'atmosphère d'un moment et l'impression subjective ne pouvaient pas être représentées avec le mode de représentation naturaliste connu du classicisme, du baroque et du romantisme, par exemple. Ils se sont donc éloignés du style traditionnel consistant à détailler méticuleusement les sujets individuels et se sont concentrés sur l'impression générale du Tableau et la composition de couleurs. Ils ont adouci les contours des objets picturaux et ont ainsi imité l'effet que produisent les journées ensoleillées et inondées de lumière, où l'on reconnaît à peine les contours des objets.

En outre, ils ont ignoré d'autres principes traditionnels de la composition picturale, tels que la perspective centrale. En outre, les peintres impressionnistes utilisent principalement des couleurs vives et lumineuses et travaillent avec des coups de pinceau courts, mais clairement visibles, dans une seule couleur. Le public a également dû s'habituer à la technique des impressionnistes. En effet, si l'on regarde les tableaux impressionnistes de près, on ne distingue souvent que des touches de couleur. Ce n'est qu'à distance que les objets picturaux émergent de la mer de traits et de points, et que l'impression picturale voulue se déploie.

Ce n'est pas seulement par l'application de la couleur que les impressionnistes innovent

Ils quittent également leur atelier et installent leur chevalet directement devant leur sujet. Peindre en plein air leur permettait d'observer au mieux le paysage, de s'imprégner de l'atmosphère et de transférer leurs impressions directement sur la toile. L'impressionnisme a ainsi révolutionné la peinture à plusieurs égards et créé la base de nombreux styles des décennies suivantes, tels que l'expressionnisme, le cubisme ou le surréalisme.

Les motifs dans l'impressionnisme

Au milieu du XIXe siècle, le choix des motifs était soumis à des règles strictes. En général, un ou quelques objets picturaux de premier plan devaient occuper le devant de la scène dans un tableau. Cependant, les impressionnistes ont également abandonné cette tradition. Ils ne peignaient pas les sujets pour eux-mêmes, mais les utilisaient simplement comme une surface de réflexion pour la lumière, en somme comme un moyen de parvenir à leurs fins. C'est pourquoi on cherche en vain des personnalités célèbres dans les tableaux impressionnistes, ainsi que des batailles épiques ou des scènes mythologiques.

Les impressionnistes ont plutôt choisi des motifs et des scènes quotidiens et peu spectaculaires, dans lesquels ils pouvaient représenter les conditions d'éclairage de manière particulièrement impressionnante. Les motifs les plus fréquents sont donc surtout les paysages ("Champ de coquelicots" et "L'étang aux nénuphars" de Claude Monet ; "Femme à l'ombrelle dans un jardin" d'Auguste Renoir), les scènes de plage et de bord de mer ("Sur la plage de Noordwijk" de Max Liebermann ; "La mer à l'Estaque" de Paul Cézanne) et les vues de villes et de villages ; "La mer à l'Estaque" de Paul Cézanne) et des vues de villes et d'architectures ("Boulevard Montmartre un matin d'hiver" de Camille Pissarro ; "Terrasse de café le soir" de Vincent van Gogh).

Mais les portraits ("Femme à l'ombrelle" de Claude Monet), les scènes de genre avec des groupes plus ou moins nombreux ("Jardin de la bière de Munich" de Max Liebermann ; "Les joueurs de cartes" de Paul Cézanne) et les natures mortes ("Douze tournesols dans un vase" de Vincent van Gogh ; "Deux poires" d'Edouard Manet) font également partie des motifs. Cependant, les thèmes politiques ou socialement critiques n'ont que rarement joué un rôle - l'impressionnisme a surtout montré une vision légère et presque idyllique du monde.

Le succès de l'impressionnisme n'est apparu que tardivement

Aujourd'hui, l'impressionnisme est considéré comme l'une des époques les plus importantes de l'histoire de l'art, mais ses artistes ont d'abord été confrontés à une résistance considérable. Avec leur style de peinture progressiste, ils n'ont d'abord trouvé aucun soutien parmi les institutions artistiques établies, telles que les académies et les musées, et la presse n'était pas non plus très amicale. En 1876, par exemple, le "Figaro" aurait écrit après une exposition que les "prétendues peintures" étaient un "désastre" causé par quelques "fous".

Paul Durand-Ruel - Figure emblématique de l'impressionnisme

Mais il y avait aussi des amateurs d'art, ouverts aux impressionnistes, parmi lesquels le galeriste Paul Durand-Ruel, qui allait devenir une figure clé de l'impressionnisme. Il a reconnu très tôt le potentiel des impressionnistes et s'est fait le champion de la nouvelle génération d'artistes. Il achète leurs œuvres, organise des expositions dans sa galerie et soutient financièrement certains peintres, dont Édouard Manet et Claude Monet.

En s'engageant auprès d'artistes largement méprisés, Durand-Ruel a pris de gros risques. Il a risqué non seulement sa réputation d'expert en art sérieux, mais aussi sa maison et son foyer : en raison de ses dépenses élevées pour les artistes, il a échappé de justesse à la faillite à plusieurs reprises. Mais c'est surtout grâce à son ouverture d'esprit et à son courage que l'impressionnisme a pu se développer et a été remarqué par le public.

La percée de l'impressionnisme en Allemagne et en Europe

Vers la fin du XIXe siècle, l'impressionnisme s'est finalement imposé au point que de nombreux artistes, tels que Claude Monet ou Camille Pissarro, ont pu vivre de leur travail. Dans les années qui suivent, le nouveau style de peinture des Français trouve de plus en plus d'adeptes dans toute l'Europe, y compris en Allemagne. Parmi les représentants de l'impressionnisme allemand au début du XXe siècle, on trouve par exemple Max Slevogt, Lovis Corinth et Max Liebermann.